How to Make Melodic Techno Part 2 (Arrangement / Mixing & Mastering) [Ableton Techno Tutorial]

Bienvenue à la partie deux de l'explication du modèle melodic techno. Ce template a été créé lors d'une session de live stream et couvre l'arrangement, l'automation, le mixage et le mastering.

• Un arpéggiateur qui alterne entre l'avant et l'arrière-plan • Un lead principal qui forme l'épine dorsale mélodique • Une base rythmique comprenant kick, bass et drums

Le lead principal est le point focal mélodique, tandis que l'arpéggiateur fournit des variations et du mouvement pour maintenir l'intérêt auditif.

Le template est disponible sur le site du créateur comme support supplémentaire pour les producteurs.

Une piste contenant uniquement un click kick déclenche le sidechain sur tous les compresseurs de la session. Ce signal ne sort pas en sortie finale.

Chaque 8 barres, la couleur change (bleu et blanc) pour aider à visualiser la structure et l'organisation du morceau de manière claire.

• Des effets sonores (SFX) • Un pad d'ambiance • Une ligne de basse • Des hi-hats et kick initial

Un high-pass filter est appliqué initialement et ouvert progressivement pour introduire de la tension et du mouvement dans l'arrangement.

Le kick et la basse sont coupés, mais certains éléments comme le pad sont conservés pour maintenir la continuité sonore.

Un son de corne cinématique aide à la transition et s'ajoute aux effets sonores pour créer un effet de transition fluide.

Un effet wash-out créé par un send sur une return auxilaire remplit tous les éléments de reverb et de jelly, créant une transition organique.

Les filtres des éléments principaux s'ouvrent progressivement pour créer de la tension avant le drop.

Le lead principal avec un son brassy entre pour la première fois, formant le chorus principal avec l'arpéggiateur en arrière-plan.

• L'oscillateur 2 est automatisé en volume • L'LFO amount crée un effet vibrato subtil • Le filtre s'ouvre et se ferme dynamiquement • L'automation des envoies à la reverb varie l'effet

L'automation est essentielle pour éviter que le lead devienne monotone. Sans ces modifications, le son serait trop stéréotypé et fatiguerait l'auditeur.

Les hi-hats et les claps sont introduits progressivement, et le delay sur les clubs ajoute du mouvement subtil au groove.

Une nouvelle baseline est introduite pour créer une variation intéressante et maintenir l'énergie du morceau.

L'arpéggiateur utilise la fonction transpose step pour jouer le même pattern à une et deux octaves plus haut, créant une variation riche.

L'utilisation d'un send généreux vers la reverb washout crée une continuité sonore sans avoir besoin de nombreux SFX supplémentaires.

Le filtre de la baseline 2 s'ouvre lentement, et le arpeggiateur utilise ensuite les étapes 1 et 2 de la transposition pour plus de variation.

• Ajoute de la variation avec quelque chose de nouveau et frais • Permet d'éliminer facilement les drones avant le final break

Le arpeggiator continue en suivant le pattern de la baseline 2, et les cornes jouent maintenant le même pattern pour une texture plus riche.

Le arpeggiator est envoyé généreusement à la reverb return, puis les filtres sont progressivement ramenés vers le bas pour un effet calmant.

Les pads et drones jouent le même pattern, créant une accumulation de tension avant le deuxième drop principal.

Contrairement au premier chorus, la transposition du arpeggiator est maintenant utilisée, et le snare ride ajoute encore plus d'excitation.

• Lead principal avec son brassy • Arpéggiator avec automation de transposition • Snare ride pour plus de dynamique

Tous les filtres s'ouvrent progressivement, et le snare s'intensifie pour créer une accumulation de tension vers le final break.

Le riser knob sur le mix down s'élève fortement avant de redescendre, créant un contraste tension-relâchement qui excite l'auditeur.

Tous les filtres des éléments principaux diminuent, et l'arpéggiator est supprimé, laissant surtout des textures et des SFX.

Le lead principal est réintroduit avec son filtre qui augmente, signalant à l'auditeur que quelque chose arrive, puis tout s'arrête soudainement.

C'est comme retenir son souffle - créer de la tension puis laisser tomber complètement, créant un moment d'anticipation puissant.

Le riser knob monte et descend dramatiquement, et tous les filtres des éléments sont abaissés progressivement pour un effet calmant.

Le drop final commence exactement comme le premier, avec un arpéggiator qui joue à nouveau le pattern principal.

• Le kick et la percussion complète sont réintroduits • Tous les éléments sont lentement supprimés • Le snare et les hi-hats disparaissent graduellement

On peut encore entendre l'arpéggiator mais pas le lead principal, créant une texture sonore allégée.

Le arpéggiator est supprimé et tout se termine progressivement, laissant un silence ou une fade douce.

• Lead 1 : macro un (filtre), décay (DK), envoi à reverb • Lead 2 : transposition du arpeggiator, filtre, automation de macro • Snare : velocity, DK, high-pass filter

Club 1 et Club 2 utilisent l'automation de delay pour ajouter un mouvement subtil et des textures supplémentaires au groove.

L'automation crée du mouvement et de la variation, évitant que le morceau ne devienne monotone avec des sons trop statiques.

La clé du succès est d'avoir constamment du mouvement et de la modulation - aucun son ne doit rester identique d'un début à la fin.

• EQ : pour supprimer les fréquences indésirables et booster celles souhaitées • Distortion/Saturation : pour ajouter des harmoniques et plus de puissance • Delay : pour ajouter du mouvement et de la spatialisation • Reverb : pour créer de la profondeur et de l'ambiance

• Petit : reverb de salle courte (0.5-1s) pour les drums • Moyen : reverb plus long (2-6s) pour les leads et pads • Grand : reverb très long (jusqu'à 15s) pour l'ambiance en arrière-plan

Mixer au fur et à mesure du processus de production. Ajouter une EQ, une distortion, une reverb et une automation pour chaque nouvel élément en le créant.

Écouter avec les yeux fermés pour vérifier que chaque élément a son propre espace, rien n'est trop loud, et les transitions sont fluides et naturelles.

Couper les fréquences basses inutiles pour clarifier le mix, sauf pour le kick et la basse qui gardent toute leur profondeur.

Atténuer légèrement les hautes fréquences bruitées ou indésirables sans affecter trop le timbre général de l'élément.

• Ne pas utiliser des panoramiques extrêmes pour maintenir une cohésion stéréo • Décaler légèrement les éléments à gauche ou droite pour créer de l'espace • Les éléments trouvent leur propre place dans le mix sans se chevaucher

Placer les éléments avant les effets (pre-effects) pour les positionner correctement avant reverb et delay.

Utilisé pour les hi-hats (shuffle effect) ou le snare pour ajouter du mouvement et du rythme supplémentaire à ces éléments.

Le delay appliqué au lead répond à la note de musique selon le pattern MIDI et le timing choisi, créant des mouvements harmonieux.

Utiliser Ableton Delay avec tempo, driver à 100%, ping-pong désactivé, feedback à zéro, et une valeur de 8-16ms pour créer un effet ultra-stéréo.

Pas de règle fixe - l'effet du delay dépend entièrement du pattern MIDI, du timing et de l'élément auquel il est appliqué.

Utiliser Utility pour réduire le niveau de 3dB sur le master afin d'avoir de la marge avant la saturation et d'éviter les pics.

Appliquer une compression très légère et douce qui n'affecte pratiquement pas le signal mais ajoute du cohésion au mix.

• Ajouter une saturation légère pour des harmoniques naturelles et un son plus puissant • Ajouter de la largeur stéréo sous 200Hz en mono pour clarifier les basses

Utiliser un plugin Colour Limiter pour ajouter une chaleur et un caractère de bande magnétique au master final.

Ajouter un high-pass filter autour de 30Hz pour supprimer les très basses fréquences indésirables.

• Boost autour de 80Hz pour renforcer les graves de la basse • Coupe autour de 400-500Hz où réside souvent une boue dans le mix

Boost entre 1kHz et 1.3kHz pour ajouter de la présence et clarifier le mix, puis un léger boost à 5-6kHz pour les hi-hats et textures.

Ajouter un high-pass filter doux à 17kHz pour couper les très hautes fréquences inutiles, puis utiliser Mid-Side EQ pour équilibrer le champ stéréo.

Le lead principal était très stéréo, donc un Mid-Side EQ aide à équilibrer et à lisser le champ stéréo du master.

• Boost autour de 1kHz et 3.5kHz sur les sides pour clarifier les éléments stéréo • Réduction douce autour de 300Hz pour moins de boue dans la stéréo

Boost des basses fréquences et des fréquences plus élevées dans le canal mid pour une présence claire et un kick puissant.

L'équilibrage du champ stéréo crée un mix plus professionnel et plus équilibré globalement sur les systèmes de monitoring.